Centro Cultural Universitario – Re-Evolución

Libros UNAM apuesta por la palabra como una aliada para construir comunidad y memoria en la Fiesta del Libro y la Rosa 2026

Redacción Re-Evolución — Thu, 16 Apr 2026 06:01:34 +0000

Como un espacio para reflexionar sobre el poder de la palabra en la construcción de comunidad y memoria, la Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial de la UNAM participará en la edición 18 de la Fiesta del Libro y la Rosa, la cual, organizada por la Coordinación de Difusión Cultural, se llevará a cabo del jueves 23 al domingo 26 de abril en el Centro Cultural Universitario. Bajo el lema “Nombrar para existir”, Libros UNAM presentará una programación que articula literatura, pensamiento crítico y prácticas artísticas en torno a los desafíos sociales contemporáneos.

Conformado por talleres, conversatorios, presentaciones editoriales, recitales y laboratorios, que contarán con la participación de autoras, autores, especialistas y colectivos, el programa abordará la palabra como una herramienta para nombrar la realidad, reconstruir la memoria y generar comunidad. Esta propuesta se realiza junto con diversas dependencias universitarias: el plantel Naucalpan del Colegio de Ciencias y Humanidades, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, la Facultad de Psicología, el Instituto de Investigaciones Bibliográficas, el Programa Universitario de Estudios de la Diversidad Cultural y la Interculturalidad, la Facultad de Filosofía y Letras y el Centro de Investigaciones Interdisciplinarias en Ciencias y Humanidades.

Literatura y juventudes

La reconocida autora argentina María Negroni participará en un conversatorio donde nos hablará sobre su estilo narrativo, su proceso de escritura y cómo ha abordado temas como la pérdida, la memoria y la relación entre la vida y la literatura. Hacia el final de la actividad, Negroni leerá una selección de su poesía. Además, la escritora ofrecerá un taller en el que se reflexionará sobre la lengua, la palabra y la imaginación, se invitará a cada participante a liberar su voz poética.

Tiro libre. Relatos cancheros sobre futbol es una oportunidad de adentrarse en el mundo de aquel deporte desde una óptica literaria. Con motivo del Mundial de Futbol, que tendrá como una de sus sedes a México, se presentará este título de la colección juvenil Hilo de Aracne, con la intervención de Rosa Beltrán, Marion Reimers, Juan Carlos Quezadas y Socorro Venegas, en un diálogo que explora las múltiples dimensiones culturales y narrativas del balompié.

Adicionalmente, los relatos de Leonora Carrington, reunidos en un título de la colección Material de Lectura, permitirán adentrarse en el universo surrealista de la pintora y narradora. El volumen será presentado por Brenda Navarro y Angélica Velázquez Guadarrama, quienes abordarán la vigencia de la obra de la autora y su lugar en la literatura universal.

Se hablará, finalmente, sobre la publicación de los últimos cuatro títulos de la Biblioteca de Chapulín en versiones facsimilares. Esta línea editorial propone un encuentro con clásicos de la literatura infantil mexicana desde una perspectiva contemporánea. La presentación de estas coediciones con el Instituto de Investigaciones Bibliográficas se acompañará de la narración oral de Elia Sánchez.

Poesía, homenaje y creación contemporánea

La poesía será uno de los ejes relevantes en la participación de Libros UNAM. Se rendirá homenaje a Jaime Sabines con el micrófono abierto “‘Del alma más profunda y verdadera’: Jaime Sabines”, donde se hará una lectura colectiva de los poemas del autor chiapaneco en compañía de sus lectoras y lectores. Además estarán a disposición las reediciones conmemorativas de Crónicas del volcán en la colección Relato Licenciado Vidriera y del poema “Algo sobre la muerte del Mayor Sabines” en la colección Material de Lectura.

Asimismo, se realizará un recital poético, presentado por Diana del Ángel, con la lectura de El resplandor del ser, a cargo de la poeta zoque Lyz Sáenz y el Consejo Consultivo de Jóvenes de CulturaUNAM. Esta actividad pondrá en diálogo la obra de Rosario Castellanos con nuevas generaciones de lectoras y lectores.

Por último, se conversará sobre Ä’kyajupä’ tza’ram / Lutitas durmientes de Mikeas Sánchez, Lyz Sáenz, Teresa Dey y la autora ofrecerán un acercamiento a esta propuesta poética, incluida en la colección El Ala del Tigre, que entrelaza memoria, territorio y experiencia desde una voz contemporánea.

Memoria, derechos humanos y voces ausentes

La literatura como espacio de denuncia y memoria se abordará en distintas actividades. El conversatorio “Nombrar lo ausente: las voces que faltaban. Vindictas. Cuentistas cubanas”, con Karla Urbano y Violeta Alejandra Santiago, enriquecido por el performance de Rocío Cerón, recuperará las voces silenciadas de la literatura latinoamericana y reflexionará sobre la importancia de nombrar aquello que ha sido excluido.

En esta misma línea, el conversatorio “Defensa de la vida y derechos humanos en casos de desaparición forzada” reunirá a integrantes del colectivo Hasta Encontrarles CDMX, Patricia Mayorga y Alma Delia Fuentes, que compartirán experiencias en torno a la búsqueda de justicia, memoria y verdad frente a la violencia actual.

Comunidad, memoria y cultura de paz

La construcción de una cultura de paz desde lo colectivo será uno de los ejes centrales de la programación. En este marco se realizará el conversatorio “Construcción de cultura de paz desde lo comunitario”, con la participación de Zaira Yael Ramos Cisneros, Bruno Velázquez Delgado y Carlos Antonio de la Sierra, quienes reflexionarán sobre prácticas comunitarias y su impacto en el fortalecimiento del tejido social.

A este diálogo se suma el laboratorio artístico “Cuerpos que cantan. Prácticas de construcción de comunidad y memoria colectiva”, coordinado por Valeria Navarro y Querena García. También se presentarán sus resultados, concebidos como un ejercicio de creación compartida que pone en el centro la memoria colectiva.

El taller “Poesía y narrativa para la cultura de paz en el aula”, impartido por Elizabeth Hernández López, propone herramientas para incorporar la literatura en procesos educativos. En cambio, el taller de ilustración “Nadie no sabe dibujar,” a cargo de Julia Reyes Retana C., invita a explorar el dibujo como una forma accesible de expresión y comunicación.

Con esta programación, Libros UNAM se suma a la Fiesta del Libro y la Rosa 2026 como un espacio para el diálogo, la reflexión y el encuentro, donde la palabra se reconoce como una aliada para nombrar el presente, reconstruir la memoria y contribuir a la construcción de una cultura de paz.

Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, espacio de intercambio de experiencias entre editoras y editores universitarios

De manera complementaria, se realizará el Sexto Laboratorio de Publicaciones y Formación Editorial de la UNAM. Participará una decena de representantes de dependencias universitarias, como la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, el Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación, el Instituto de Investigaciones Bibliotecológicas y de la Información, el Centro de Investigaciones y Estudios de Género y la Facultad de Derecho, con el fin de propiciar el intercambio de experiencias y propuestas editoriales, fomentar la colaboración interdisciplinaria y difundir la diversidad de la oferta editorial universitaria.

Hasta encontrarte, teatro unipersonal de Vicky Araico sobre madres buscadoras regresa a la UNAM

Redacción Re-Evolución — Fri, 30 Jan 2026 06:00:22 +0000

Después de una exitosa temporada en el Teatro Santa Catarina de la UNAM y de su presentación en el 43° Festival de Otoño de Madrid, Hasta encontrarte, escrita e interpretada por Vicky Araico, bajo la dirección de Nir Pald, regresa con funciones del 31 de enero al 28 de febrero en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, en el Centro Cultural Universitario. Este unipersonal, coproducido por Teatro UNAM, Ad Infinitum (Reino Unido) y El Ingenio del Caldero (México), aborda el tema de la desaparición de personas desde la perspectiva de las familias que buscan a sus seres queridos.

El montaje explora la desaparición a través del incesante viaje de Alma, una madre en la búsqueda de su hija. Se trata de un viaje de transformación en el que, al aprender a vivir en un estado de dolor e incertidumbre interminable, Alma lentamente también desaparece.

Hasta encontrarte surgió del proyecto de investigación Los desaparecidos | The Disappeared, respaldado en 2022 por el programa International Collaboration Grants del British Council, del cual derivaron dos piezas sonoras —disponibles en español e inglés en plataformas— basadas en entrevistas a familiares de víctimas de desaparición forzada, autoridades, periodistas, colectivos de búsqueda y defensores de derechos humanos.

“Creo que la mirada del público alimenta la obra. Con el paso de las funciones hemos comprobado su pertinencia, su necesidad y la fuerza que tiene la historia para mover a los espectadores”, compartió Vicky Araico. Este diálogo constante con la audiencia ha permitido que este unipersonal de teatro físico evolucione sin perder su cuidado ni su profundidad.

Hasta encontrarte se presentó en 2024 en el Teatro Santa Catarina de la UNAM, donde ofreció una temporada con funciones de localidades agotadas. En 2025 fue reconocida por la Asociación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) como Mejor Unipersonal del Año, además, Vicky Araico recibió los premios a Actriz en Rol Principal y Coreografía/Movimiento Escénico. Asimismo, en los Premios del Público Cartelera de Teatro, obtuvo los galardones a Mejor Actriz y Mejor Dramaturgia, consolidándose como una de las propuestas escénicas más destacadas.

El año pasado se presentó en el 43° Festival de Otoño de Madrid, donde su encuentro con públicos internacionales permitió realizar ajustes sutiles que reforzaron su alcance: “Hicimos modificaciones muy sencillas en el final, sólo para ubicar la relación de la audiencia con el fenómeno de las desapariciones. En Madrid fue muy claro comprobar la universalidad del tema; al finalizar el público estaba profundamente conmovido, incluso impactado”, señaló la creadora. Esta conexión con espectadores de distintos contextos, explica Araico, se sostiene en elementos universales como la pérdida, el duelo y la necesidad de alcanzar el sosiego.

El unipersonal busca contribuir a la sensibilización sobre el fenómeno de las desapariciones, visibilizando la huella de dolor que permanece en la vida de las familias de las víctimas. Entre las reacciones que más han marcado a Vicky Araico se encuentran las de personas buscadoras que han asistido a las funciones: “Son las más confrontativas. Me recuerdan la importancia del trabajo y la necesidad de hacerlo. Aunque para ellas es muy fuerte, siento calma al saber que consideran que la obra les representa dignamente y da visibilidad a su dolor”.

Sostener en el tiempo una obra que aborda un tema tan doloroso ha implicado un compromiso ético permanente, como aseguró su intérprete: “El motor es el respeto; y en mi caso, mi porcentaje de derechos de autor está destinado a familiares de personas desaparecidas”. Así, Araico refuerza el vínculo entre la creación artística y la responsabilidad social; además, dentro de su trayectoria, este unipersonal le ocupa hoy un lugar central, asegura que, hasta ahora, es el trabajo artístico que más la ha retado.

Hasta encontrarte cuenta con un lenguaje de teatro físico; dirección escénica y dramaturgia de Nir Paldi, diseño de espacio y vestuario de Aldo Vázquez Yela, diseño de iluminación de Xóchitl González Quintanilla, con la asistencia de Sara Alcántar y diseño sonoro de Dan Pollard; así como la producción de Mia Lake, con asistencia de Teresa

Cedillo y la asistencia de dirección en México de Sofía Guerrero.

El regreso a la UNAM tiene para Vicky Araico, directora artística de El Ingenio del Caldero A.C., un significado especial: “Me siento muy contenta de volver a Teatro UNAM, mi alma máter. Las personas que no han podido ver la obra tendrán la oportunidad de hacerlo en el maravilloso espacio del Centro Cultural Universitario y a precios muy accesibles”, finalizó.

Hasta encontrarte se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz (Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario) del 31 de enero al 28 de febrero, con funciones los jueves y viernes a las 8pm, sábados a las 7 pm y domingos a las 6 pm. Las localidades tienen un costo general de $150, con 50% de descuento para estudiantes, docentes con credencial vigente, exalumnos de la UNAM y personas beneficiarias del INAPAM. Los #JuevesPUMA el precio es de $30 para el público en general.

Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM; así como las de la compañía www.elingeniodelcaldero.com y @elingeniodelcaldero.

Freak Show y La maizada llegan al Teatro Santa Catarina directo del 32 FITU

Redacción Re-Evolución — Sat, 24 Jan 2026 06:01:39 +0000

Teatro UNAM presenta Freak Show y La maizada, montajes ganadores en distintas categorías en el pasado Festival Internacional de Teatro Universitario (FITU), los cuales llegarán al Teatro Santa Catarina con entrada gratuita del 29 de enero al 1 de febrero y del 5 al 15 de febrero, respectivamente. La primera propuesta es una comedia trágica creada por estudiantes de nivel bachillerato en Guadalajara; mientras que la segunda, desarrollada por egresadas y egresados de diversas escuelas de teatro de la Ciudad de México, aborda el origen mítico del maíz y está dirigida a jóvenes audiencias.

Ambas obras fueron seleccionadas de entre 170 proyectos provenientes de distintas regiones del país para competir junto con otras 23 propuestas escénicas durante la edición 32 del FITU realizada del 4 al 14 de septiembre de 2025 en el Centro Cultural Universitario. Tras la evaluación de un jurado especializado en teatro, durante la ceremonia de clausura fueron reconocidas como ganadoras en sus respectivas categorías, lo que les otorgó, además de un premio económico, la oportunidad de presentarse en uno de los recintos de Teatro UNAM.

Freak Show, ganadora de la Categoría A (Nivel Bachillerato), es una creación del grupo Teatro Latente integrado por estudiantes de la Preparatoria 10 de la Universidad de Guadalajara, con dramaturgia de Martín Giner y dirección de Alberto Magaña. Narra, desde un humor oscuro y poético, la historia de una familia marcada por una extraña maldición: los varones, al enamorarse, creen adquirir superpoderes y mueren al intentar hazañas imposibles. El último descendiente es capturado por el dueño de un freak show, quien decide provocar su enamoramiento para convertir su destino en espectáculo. Una historia trágicamente cómica contada en el circo de las emociones humanas.

Para Teatro Latente, su participación en el FITU representó una experiencia decisiva en su proceso formativo. “Nuestra experiencia en el FITU fue increíble y muy significativa. Para muchos de nosotros fue la primera vez participando en una plataforma de este nivel”, compartió el grupo. El elenco añadió que el festival implicó asumir un compromiso distinto al del aula, con jornadas de trabajo extendidas, mayor disciplina y una organización colectiva más rigurosa: “Fue un proceso distinto, mucho más enriquecedor. Aprendimos no solo sobre teatro, sino sobre responsabilidad, trabajo en equipo y constancia”.

El reconocimiento obtenido tiene un peso simbólico particular, al tratarse de la primera generación de nivel bachillerato de la UdeG en ganar en alguna de las categorías del FITU. Para las y los integrantes del grupo, presentarse ahora en un recinto de Teatro UNAM en la Ciudad de México es motivo de orgullo y proyección: “Nos motiva saber que la universidad reconoce el interés y el trabajo artístico de sus estudiantes. El poder viajar, conocer nuevos espacios y presentarnos en un escenario tan importante como un teatro de la UNAM es algo que nunca imaginamos cuando entramos a la prepa”, añadió Teatro Latente.

Desde la dirección, Alberto Magaña subrayó que la elección de Freak Show respondió al potencial pedagógico de la comedia dentro de la formación actoral: “La comedia exige agilidad mental y corporal, una comprensión clara del tiempo y el ritmo escénico, así como una escucha activa del compañero y del público; todos ellos elementos técnicos fundamentales en la preparación de una actriz o un actor”.

Este enfoque permitió generar un espacio de juego, disfrute y complicidad, donde las y los jóvenes compartieron la escena desde un lugar lúdico y colectivo. El proceso creativo incluyó entrenamiento físico, técnicas de clown, manipulación de títeres y trabajo vocal, con la intención de que el elenco no solo representara un circo, sino que experimentara su energía, su ritmo y su relación directa con el público.

El elenco de Freak Show está integrado por Josie Sofía Martínez González, Ximena Montserrat Castillo Gómez, Jery Emiliano Gómez Álvarez, Alexis Rolando Peralta Pérez y Kenya Danai Gómez Morga. El diseño escenográfico corre a cargo de Miroslava Castellanos; el diseño de iluminación es de Alberto Magaña; el vestuario, de Neri Núñez (Costume Design), y el diseño sonoro —música original— de Emm Ceballos. La asistencia de dirección es de René González; el maquillaje, de Alexis Pérez; los títeres planos, de Josie Martínez, y el títere-máscara de anciano, de Cecilia Andalón. La obra, recomendada para público a partir de los 15 años, se presentará del 29 de enero al 1 de febrero con funciones jueves y viernes a las 8pm, sábado a las 7 pm y domingo a las 6pm.

Experiencia escénica para el público infantil

Posteriormente se presentará la obra ganadora de la Categoría C4 (Montajes de teatro para niñas y niños), La Maizada escrita y adaptada por David Olguín, a cargo del colectivo Por ejemplo: Teatro, integrado por jóvenes provenientes del Centro Universitario de Teatro de la UNAM, la Casa del Teatro, la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBAL y la Facultad de Ciencias-Física de la UNAM se basa en un relato zoque-popoluca, por lo que aborda el origen mítico del maíz como alimento y símbolo cultural a través de una historia dirigida a niñas, niños y juventudes que conjuga mito, fantasía y realidad.

Para la compañía, el FITU representó un momento clave dentro de su trayectoria, al ser el espacio donde la obra se estrenó y enfrentó por primera vez con el público: “Más allá del resultado, el FITU fue un espacio que nos permitió estrenar La maizada y confrontar, frente al público, un proceso de trabajo desarrollado durante varios meses”. Al tratarse, para varias personas del colectivo, de su última oportunidad de participar en el festival, la experiencia tuvo un valor especial, reafirmando su convicción en un teatro construido desde la generosidad, el compromiso y el trabajo colectivo.

Desde la codirección, Sheyla Carolina y Lucio Giménez Cacho Goded explicaron que el montaje es resultado de un laboratorio de exploración escénica de dos años, en el que se compartieron herramientas de distintas formaciones para crear un lenguaje común y una metodología colectiva. Trabajar con un relato de tradición indígena implicó, una reflexión política y cultural: “Buscamos asesorías sobre los cuidados y perspectivas, lo cual nos impulsó a trabajar con confianza, respeto y ligereza”. El proceso se construyó desde el ritual, la escucha y la espontaneidad, evitando la imposición y priorizando la transmisión del valor simbólico del mito.

Reconocieron que uno de los principales retos fue traducir un texto con una fuerte carga poética en una experiencia escénica accesible para las jóvenes audiencias. Para ello, el equipo apostó por la llamada “escenografía corporal”, donde los cuerpos de las y los intérpretes se transforman frente al espectador, estimulando su imaginación. La máscara y la música en vivo se convirtieron en ejes narrativos fundamentales, permitiendo que la magia del teatro suceda a la vista del público y generando una experiencia lúdica y envolvente para espectadores de todas las edades.

Para la compañía Por ejemplo: Teatro, haber sido reconocidos como obra ganadora de la Categoría C4 y presentarse ahora en el Teatro Santa Catarina representa un punto de llegada y, al mismo tiempo, de proyección. Aseguraron que es un reconocimiento al trabajo colectivo y al cuidado del proceso creativo, así como una oportunidad para consolidar La maizada como la primera obra del colectivo. Desde su experiencia, el equipo destacó la importancia de visibilizar el teatro para infancias dentro de la creación universitaria, un campo que aún enfrenta prejuicios, pero que ofrece enormes posibilidades de investigación, lenguaje y profundidad artística.

El elenco de La maizada está conformado por Santiago Alfaro, Felipe Alfaza, Inés Buxadé, Diego Güitron, David Juan Olguín Almela, Abril Ramos Xochiteotzin y los músicos en escena Kaleb Oseguera, Carlos López Tavera, Ximena Fernández de Córdoba. La escenografía e Iluminación es de Por ejemplo: Teatro, el vestuario de Pamela de Alva, la dirección musical de Kaleb Oseguera, la producción ejecutiva de Diego Güitron, la creación de versos para la escena del fuego y El Niño Santo de Maíz con Centello de Alvarado Carlos López Tavera. La obra, recomendada a partir de los 6 años, estará del 5 al 15 de febrero con funciones jueves y viernes a las 8pm y sábados y domingos a las 6 pm.

Con estas primeras funciones del Ciclo de Obras Ganadoras del 32 FITU, Teatro UNAM reafirma su compromiso con la formación, la diversidad de lenguajes escénicos y el impulso a nuevas generaciones, al propiciar que los proyectos ganadores continúen su diálogo con el público en los recintos universitarios. Estas puestas en escena dan cuenta de la riqueza de procesos, enfoques y estéticas que caracterizan a la creación teatral universitaria en México, así como del papel del Festival Internacional de Teatro Universitario realizado en septiembre de 2025, como una plataforma fundamental de encuentro, aprendizaje y proyección para jóvenes creadoras y creadores.

La entrada para ambas obras es gratuita y los boletos se entregarán una hora antes de cada función hasta completar el aforo en el Teatro Santa Catarina (Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán. Cerca del metro Viveros). Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM

29° Tour de cine francés ahora en el CCU

Redacción Re-Evolución — Fri, 16 Jan 2026 06:00:15 +0000

A partir del jueves 15 de enero, en la Sala Julio Bracho del Centro Cultural Universitario, se presenta la edición número 29 del Tour de cine francés, conformada por siete películas, incluyendo las más recientes de François Ozon y de Cédric Klapisch, así como el debut como director de Daniel Auteuil (actor).

El 29 Tour inicia con la película Cuando llega el otoño/Quand vient l’automne (Francia, 2024, 103 min), escrita y dirigida por François Ozon. Michelle es una adorable abuela que vive apaciblemente su retiro en un pequeño pueblo de Borgoña, cerca de su mejor amiga Marie-Claude con la que tiene una gran complicidad desde que eran jóvenes. Durante las vacaciones, la visita su hija Valérie para dejarle a Lucas, el nieto de Michelle, pero las cosas no salen como estaba previsto y un error de la abuela arruina los planes familiares. ¿Accidente? ¿Intento de asesinato? Funciones: jueves 15 de enero 4:30 pm y 6:30 pm y viernes 16 de enero 11 am, 4:30 pm y 6:30 pm.

Continúa con el largometraje El acusado/Le fil (Francia, 2024, 115 min), de Daniel Auteuil, coescrita por Steven Mitz. Desde que logró que liberaran a un criminal reincidente, el reconocido abogado penalista Jean Monier vive atormentado por la culpa y decide no volver llevar ningún caso criminal. Sin embargo, su encuentro con Nicolas Milik, un padre de familia acusado de asesinar a su esposa alcohólica, lo conmueve y decide tomar su caso. Convencido de la inocencia de su cliente, está dispuesto a todo para ayudarlo a ganar el juicio. Deberá defenderlo contra viento y marea, y especialmente contra sí mismo.

Funciones: sábado 17 de enero 12 pm, 4:30pm y 6:45 pm y domingo 18 de enero 12 pm, 4:30 pm y 6:45 pm.

Posteriormente se exhibe el filme La maestra Violet/Louise Violet (Francia, 2024, 108 min), escrita y dirigida por Eric Besnard. Francia, 1889. Louise Violet, una mujer marcada por un pasado turbulento es enviada por el gobierno republicano a un pueblo remoto de la campiña francesa para instaurar la primera escuela pública del lugar. Su misión es implementar el sistema educativo laico, gratuito y obligatorio establecido por las leyes de Jules Ferry, una reforma que busca universalizar la educación y emancipar a las futuras generaciones. Sin embargo, su llegada es recibida con hostilidad y escepticismo por parte de los habitantes. Una hermosa película que explora las imperfecciones y la resiliencia del alma humana.

Funciones: jueves 22 de enero 4:30 pm y 6:45 pm. Viernes 23 de enero 11 am, 4:30 pm y 6:45 pm.

Después se proyecta la película Los colores del tiempo/La venue de l’avenir (Francia, 2025, 126 min), escrita y dirigida por Cédric Klapisch. El filme cuenta la cautivadora historia de una familia cuyo destino se entrelaza con el nacimiento del París moderno y del movimiento impresionista. Las dos líneas temporales de 1895 y 2024 se entretejen y colisionan, confrontando las actitudes contemporáneas de unos primos con la vida en el París de finales del siglo XIX, lo que cambiará para siempre el futuro de todos.

Funciones: sábado 24 de enero, 12 pm, 4:30 pm y 6:45 pm. Domingo 25 de enero,12 pm, 4:30 pm y 6:45 pm.

Continúa el 29 Tour con la película Los lazos que nos unen/L’attachement (Francia, 2025, 105 min), dirigida por Carine Tardieu y coescrita con Raphaële Moussafir y Agnès Feuvre. Sandra, una mujer que disfruta plenamente de su trabajo y de su independencia, se ve envuelta en una situación inesperada que la lleva a compartir la vida de su vecino y sus dos hijos. Una conmovedora película que explora los desafíos de las estructuras familiares modernas y que nos invita a redefinir los lazos.

Funciones: jueves 29 de enero 4:30 pm y 6:30 pm. Viernes 30 de enero 11 am, 4:30 pm y 6:30 pm.

Posteriormente se exhibe Rodrigo enamorado/Avignon (Francia, 2025, 103 min), de Johann Dionnet, coescrita con Benoit Graffin y Francis Magnin. Stéphane, un actor en apuros, llega con su compañía al Festival de teatro de Aviñón para presentar una obra. Él se enamora perdidamente de una prometedora actriz y para acercarse a ella, finge que interpreta el papel principal en la prestigiosa obra “El Cid”. Hundido en su mentira, se presentan una serie de graciosas situaciones hasta que la verdad termina por salir a la luz.

Funciones: sábado 31 de enero 12 pm, 4:30 pm y 6:30 pm. Domingo 1 de febrero, 12 pm, 4:30 pm y 6:30 pm.

El 29 Tour de cine francés concluye con la proyección de la película Un toque de amor/Une pointe d’amour (Francia, 2025, 84 min), escrita y dirigida por Maël Piriou. La película cuenta la historia de Mélanie, una abogada que, tras ser diagnosticada con una enfermedad incurable, decide disfrutar de la vida y embarcarse en un viaje a España con su amigo Benjamin, con el objetivo de explorar su sexualidad en un burdel. Mélanie y Benjamin, ambos en silla de ruedas, forman un trío entrañable con Lucas, un hombre recién salido de prisión, que conduce la destartalada camioneta que los llevará a su destino. Combinando elementos de comedia y drama, este road movie aborda el tema de la discapacidad y la enfermedad con honestidad y humor.

Funciones: 5 y 6 de febrero 4:30 pm y 6:30 pm.

El costo del boleto por función es de $30.00 pesos para comunidad UNAM, sistema incorporado, exalumnos, estudiantes de todas las instituciones educativas e INAPAM, con credencial vigente, adquiriendo el boleto en la taquilla de los cines. Para el público en general es de $60.00 pesos.

Llega a la UNAM Fotogenia 7. Festival Internacional de Cinepoesía y Narrativas Divergentes

Redacción Re-Evolución — Fri, 28 Nov 2025 06:01:00 +0000

Fotogenia es una invitación a todas las personas a abrir su mirada y disfrutar de un cine diferente, disruptivo; alejado de las formas tradicionales. En 2025 cumple siete años de promover espacios de apreciación cinematográfica en un ambiente que celebra la experimentación y la vanguardia.

Para esta edición, el festival nos tiene preparada una programación especial en la Sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Universitario donde el público podrá disfrutar, durante los días del 27, 28 y 30 de noviembre, una selección de cortometrajes integrados en los programas: Rituales, psicomagia y Alquimia; Ecos de vanguardia, La mirada insumisa, El laberinto personal.

La programación está integrada por 191 obras seleccionadas en las categorías de cinepoesía, videoarte, cine experimental, cine-ensayo, cinediario, documental poético, animación experimental, video musical experimental, cinedanza, fashion films y los más vanguardistas largometrajes.

De igual manera, se proyectará el largometraje Chen Shi (China, 2024, 65 min) de Jiang Ziyang; se realizará la mesa de diálogo Prácticas experimentales audiovisuales como creación poética, con la participación de Andrés García Franco y Jonnathan Blake Pinto y la ceremonia de clausura.

Esta edición es posible gracias a la colaboración de la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) –institución sede desde la primera edición–; el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de Utopías; el Fideicomiso PROCINECMDX y su red de cineclubes; y para este año se suman como aliados del festival la Casa del Cine MX y la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la UNAM.

Consulte programación y horarios en www.filmoteca.unam.mx

Paquito D’ Rivera Quintet ofrecerá un concierto en la Sala Nezahualcóyotl

Redacción Re-Evolución — Thu, 20 Nov 2025 06:01:09 +0000

Sus amigos y fans le dicen Paq-Man, pero en casi todo el mundo es conocido como Paquito D’Rivera. Saxofonista, clarinetista, compositor, escritor y líder de tres agrupaciones musicales, el artista cubano es una referencia del jazz latino, un lujo sonoro cuya música se hará sentir el próximo 23 de noviembre, a las 6 pm, en la sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario.

El Paquito D’Rivera Quintet, integrado por Alex Brown en el piano, Oscar Stagnaro en el bajo, Mark Walker en la batería y percusión, Diego Urcola en la trompeta y el trombón, Miguel Cruz en la percusión, y Paquito D’Rivera en el clarinete y el saxofón, ofrecerá un programa de jazz latino contemporáneo que integra este género con ritmos y expresiones de países como Argentina, Brasil, Puerto Rico, Cuba, México y Venezuela.

Nacido en 1948 en Marianao, Cuba, Paquito D’Rivera comenzó su carrera a los 7 años, luego de que su padre, el saxofonista Tito Rivera, le enseñara a tocar el saxofón. A los 10 años tocó con la orquesta del Teatro Nacional de Cuba.

A lo largo de su carrera, Paquito D’Rivera ha recibido 16 premios Grammy por su trayectoria en el ámbito del jazz y la música de concierto. Su propuesta sonora abarca tradiciones afrocubanas, latinoamericanas y europeas.

Ha grabado más de 40 discos como solista y ha colaborado con intérpretes como Yo-Yo Ma, Dizzy Gillespie y Bebo Valdés. Su catálogo, publicado por la editorial Boosey & Hawkes, forma parte del repertorio de orquestas y ensambles internacionales. Entre sus distinciones se encuentran el NEA Jazz Masters Award y la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos. En 2023 obtuvo su más reciente Latin Grammy por el álbum I Missed You Too! junto a Chucho Valdés.

Los boletos ya están a la venta con descuentos habituales. Primer piso $1,200, Orquesta y coro $900, Segundo piso $600.

Cínica 2025: cine y música se fusionan en la gran pantalla

Redacción Re-Evolución — Thu, 13 Nov 2025 06:00:52 +0000

Del 20 al 28 de noviembre de 2025, Cínica Festival de Cine de Música de México celebra su octava edición, con una selección de doce películas nacionales e internacionales, además de charlas, homenajes, conciertos y presentaciones editoriales.

En conferencia de prensa, su director, Mario Ortega, comentó que Cínica representa un espacio en el que las imágenes y los sonidos encuentran una libertad que pocas veces se ve en la industria: “Cada edición del festival es un acto de resistencia creativa. Buscamos que el cine independiente dialogue con la música y con las historias que definen nuestra identidad cultural. En esta edición, cada película vibra con la energía de lo que somos y escuchamos”.

La octava edición del festival tendrá diversas sedes: la Cineteca Nacional México, recinto de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el B-Wing y el Blackflag Crew.

Con el objetivo de difundir, promover y apoyar al cine mexicano e internacional, Cínica ofrece una programación especializada en películas de ficción, documentales, musicales, videos y propuestas audiovisuales en torno a la música, con énfasis en producciones nacionales; incluye géneros como el rock, jazz, música de concierto, regional, tradicional o urbana.

Un puente entre el cine, la música y la memoria

Con el estreno mundial de Charrock and Roll, dirigida por Leo Méndez y producida por Tess Rabinisha, se inaugura el encuentro; es un documental que retrata la vida y obra del artista Sergio Arau, creador de Botellita de Jerez y pionero del “guacarrock”, género que mezcló humor, crítica y música popular mexicana.

El filme se adentra en la historia del rock mexicano a través de las voces de personajes clave arriba y abajo del escenario como Jaime López, Cecilia Toussaint, Javier Bátiz, Alfonso André, Lino Nava, Armando Palomas, José Manuel Aguilera, Roco Pachukote y Alex Lora, entre otros artistas, quienes comparten su mirada sobre el movimiento musical que marcó a distintas generaciones.

“La intención de este documental es rendir homenaje a quienes, con su voz y su energía, abrieron caminos para la libertad creativa en México. Queríamos capturar la esencia de una época que aún vibra en las calles, los escenarios y en la memoria de quienes siguen creyendo en la música como una forma de resistencia”, expresó Leo Méndez, director del proyecto.

Cartelera: diversidad sonora en la gran pantalla

La programación también incluye Revbles, de Valeria Guerrero, un acercamiento a la cultura hip hop en la frontera norte del país y su poder como herramienta de identidad y resistencia; Era oculta, de Carlos Vargas, que sigue la vida del músico rastafari Phambi en Mozambique, y En camino a Leo, de Ana Bárcenas Torres, que plasma una mirada íntima sobre el proceso de transición de género y la maternidad desde el lenguaje poético del cine documental.

“Nace el deseo de filmar esta historia por la urgencia de entender la transformación como una forma de libertad. No solo de los cuerpos, sino también de las emociones”, compartió Ana Bárcenas Torres. “Participar en Cínica es compartir un espacio donde las narrativas diversas encuentran su lugar. Este festival demuestra que el cine también puede ser un acto de cuidado y de escucha”, agregó.

El festival rinde homenaje a Todo el poder, de Fernando Sariñana, a 25 años de su estreno, con la presencia del elenco y equipo creativo. Asimismo, se conmemoran los 30 años de KIDS, de Larry Clark, filme clave en la estética visual y sonora del cine juvenil de los noventa.

También se proyectará: Un tal Tacho, el hombre detrás del beat de Luis Gutiérrez; La máquina del ritmo de Fernanda González; Rock en el desierto de Edgar Corona; Al compás del barrio de Mariana Segura; La voz que baila de Daniel Hinojosa, y Noise Underground de Keila Figueroa.

Además de las proyecciones, hay charlas, por ejemplo, una sobre Autos, mota y rocanrol, que explora la influencia del rock en el audiovisual nacional; además de mesas de análisis y presentaciones editoriales, entre ellas Revista Belcebú presenta: Alucarda regresa de la tumba, proyecto que celebra el cine de terror mexicano.

Cínica Festival de Cine de Música de México 2025 es una producción independiente con el apoyo de la comunidad cultural, académica y artística del país. Su objetivo es dar voz a quienes crean desde la periferia, la rebeldía y la emoción.

La programación completa, horarios y sedes se pueden consultar en www.cinicafestival.com y en las redes sociales oficiales del festival: @cinicafestival en Facebook, Instagram, X y TikTok.

Filmoteca UNAM renueva la Sala Julio Bracho y estrena Frankenstein de Guillermo del Toro

Redacción Re-Evolución — Fri, 17 Oct 2025 06:00:03 +0000

Filmoteca UNAM renueva la Sala Julio Bracho del Centro Cultural Universitario para recibir el estreno de Frankenstein (EUA, 2025), la más reciente película del aclamado director mexicano Guillermo del Toro, después de su exhibición en festivales como Venecia y Toronto.

El público que asista a la Sala Bracho podrá disfrutar de la última producción del cineasta jalisciense en pantalla recién instalada, con proyección láser 4k y sonido 7.1.

Guillermo del Toro adapta a la pantalla grande la clásica historia de Mary Shelley sobre Víctor Frankenstein, un científico tan brillante como egocéntrico, que da vida a un ser en un monstruoso experimento. Al final, la infame hazaña resulta en la ruina del creador y de su trágica creación.

Las funciones de Frankenstein en la Sala Julio Bracho y en el Cinematógrafo del Chopo a partir del 23 de octubre en distintos horarios, que se pueden consultar en el sitio de Filmoteca UNAM. Los boletos pueden adquirirse directamente en la taquilla de las salas o en https://boletoscultura.unam.mx/ a partir del miércoles 22 de octubre.

En la Sala Julio Bracho, con un aforo de 161 butacas y cuatro espacios para personas con silla de ruedas, se actualizó el sistema de sonido a Dolby 7.1, por lo que ahora cuenta con tres bocinas frontales, bancos de altoparlantes lateral derecho e izquierdo y los bancos de bocinas traseras. También se cambió de un proyector de lámpara xenon a un sistema Barco de proyección láser, es más ecológico dado que no gastan bombillas para el proyector y ahorra energía. La pantalla se sustituyó por una blanca mate, con lo que se logra mayor definición y nitidez en la imagen, obteniendo mejores resultados, de acuerdo con los estándares del sistema internacional para la exhibición cinematográfica.

Además, seguirá siendo una sala de acervo completa, con todos los formatos desde Super8, 16mm y completando la oferta con sus dos estupendos proyectores de 35 mm, lo que permitirá al público ver los clásicos de la cinematografía internacional en su formato original.

En cuanto a las otras dos salas que conforman el conjunto del CCU: la José Revueltas, con un aforo de 60 butacas y dos espacios para silla de ruedas, ahora cuenta con un sistema de proyección en 3D, una pantalla con recubrimiento de plata para lograr la máxima exhibición en este formato y cuenta con sonido 5.1.

En la Sala Carlos Monsiváis se mejoró el sistema de audio con sistema 5.1, rehabilitando las bocinas y se incluyó el sistema DCP para proyecciones en formato digital. Su aforo es de 54 butacas y dos espacios para silla de ruedas.

Estas mejoras de audio y proyección permitirán una mejor calidad de visionado, así como de sonido y el público podrá disfrutar de una mayor experiencia en las salas de cine de Filmoteca UNAM en el CCU. El costo del boleto es de $40.00 con 50% de descuento a comunidad UNAM.

Exposición dedicada al universo de la novela de Frankenstein

En el vestíbulo de las salas de cine del CCU se podrá apreciar una exposición integrada por facsímiles de algunos libros basados en el universo de la novela Frankenstein. Los títulos son: Cuando nacen los Monstruos. Mitos del cine de terror, de Alberto Gil y Fernando Vicente; Gabinete de curiosidades, de Guillermo del Toro y la versión en español de Frankenstein de Mary Shelley. Estos ejemplares están disponibles para su consulta en el Centro de documentación de Filmoteca UNAM.

Además, del acervo de aparatos pre y cinematográficos que conserva Filmoteca UNAM, el público visitante podrá observar una Linterna mágica (lámpara de petróleo con dos mechas), lente condensador de 45mm, marca E.P. Gloria, modelo dúplex, fabricada en Alemania en 1900 y distintas placas positivas para proyección marca Molteni.

La exposición incluye también otros elementos relacionados con el universo creado en la novela de Mary Shelley, como un modelado de la cabeza de Frankenstein (referencia al maquillaje de Boris Karloff, 1931), acompañado de un microscopio (Carl Zeiss Jena no. 74919 en estuche de madera) y placas con información científica del cuerpo humano que eran utilizadas en la difusión del cine científico.La exposición podrá visitarse hasta diciembre de 2025. Consulte cartelera en www.filmoteca.unam.mx

Teatro UNAM estrena El mar es un pixel de David Gaitán. Un ensayo escénico sobre tecnología y honor

Redacción Re-Evolución — Thu, 02 Oct 2025 06:01:53 +0000

Teatro UNAM estrena su más reciente producción El mar es un pixel, una creación original del dramaturgo, actor y guionista David Gaitán, quien también dirige esta propuesta en la que explora el cruce entre el honor en el mundo contemporáneo y la tecnología como elemento disruptivo capaz de reconfigurar la vida en sociedad. Tendrá temporada del 9 de octubre al 30 de noviembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario.

La puesta en escena retrata una aldea que se ve transformada por la aparición de un novedoso juguete y una lista pública que trastoca las fibras sociales. Los habitantes, confundidos entre la fascinación y el temor, recurren a él en busca de claridad, pero el artefacto termina por amplificar los juicios de la comunidad, desencadenando extremos de devoción y rechazo.

Para Gaitán, la obra dialoga con un fenómeno que ha retomado fuerza en la última década: el honor como eje identitario. “La pulcritud del propio nombre ha vuelto a adquirir un peso central. La angustia ante la posibilidad de que éste se manche es una pulsión contemporánea, de ahí nuestro deseo compulsivo a figurar en ciertas listas y alejarnos de otras”, explica.

“El juguete se presenta como un acto de magia, un regalo inesperado que toca a tu puerta y promete mejorar la calidad de vida de un segundo a otro. Apoyo profesional, logístico, emocional, sexual; la certeza que amenaza con llenar todos los vacíos; una utopía tan bien diseñada que termina por volverse siniestra”, detalla el director.

Bajo convenciones específicas diseñadas para esta obra, el juguete permite amplificar a toda la aldea lo que cada persona decida compartir. El aparato transmite lo que se publica en otras casas y, al mismo tiempo, alienta al usuario a difundir material personal. De este modo, la comunidad entra en una dinámica tan fascinante como riesgosa: exponer la intimidad y convertirla en experiencia pública.

El mar es un pixel sitúa a los personajes en una “aldea”, una especie de pueblo chico que evoca un tiempo indefinido entre finales del siglo XIX y principios del XX. La escenografía de Mario Marín del Río es un dispositivo que aprovecha al máximo los recursos teatrales: un sistema de telones que evocan la idea de velado y revelado constante, creando atmósferas cambiantes y sugerentes que fungen como un reflejo del estado emocional de los personajes: se expande en momentos de plenitud y alegría, se contrae en situaciones de tensión y angustia.

Participan en escena Hernán Del Riego, Daniela Arroio, Verónica Bravo, Michelle Betancourt y Emmanuel Lapin, quienes interpretan a los cinco personajes que habitan la aldea —el consejero, la inversora, la emprendedora, el juguete y el mensajero—, concebidos por el dramaturgo como un crisol de rasgos humanos con los que el público podrá identificarse de manera intermitente.

El equipo creativo está conformado por Mario Marín del Río en el diseño escenográfico y de vestuario; Andrés Motta en el diseño sonoro y música original; e iluminación de Erika Gómez con la asistencia de Heidi Lamadrid; la producción cuenta con el acompañamiento de Gabriel Zapata Z. como enlace; y Angélica Cervera en la asistencia de dirección. Se trata de una combinación entre colaboradores con quienes Gaitán trabaja por primera vez y otros con los que comparte un camino recorrido, fórmula con la que habitualmente integra sus proyectos.

La propuesta escénica combina recursos formales de la tradición teatral con un lenguaje contemporáneo. El dramaturgo decidió escribir la obra en verso, con rima y métrica rigurosas, pero en un castellano moderno, catalizando su musicalidad y accesibilidad: “Quería replicar lo que pudo significar en el Siglo de Oro escuchar versos que, aunque medidos y rimados, eran profundamente familiares para la audiencia. Hoy me interesa que el público se reconozca en esas formas, pero con temas actuales como la reputación o la irrupción de nuevas tecnologías”.

Con humor, tensión dramática y un aire de ciencia ficción anacrónica, la puesta en escena —con el sello ensayístico propio de David Gaitán— propone una reflexión sobre la fragilidad del prestigio, la manipulación de la información y la fascinación por los dispositivos que median la vida social. “Me interesa que el público salga interpelado, que la obra lo coloque en zonas de conversación que no cedan a la tentación de reafirmar posturas concebidas a priori”, concluye el director.

Además de su amplia trayectoria en México, David Gaitán ha dirigido textos propios para compañías internacionales como Guy n’ Rony de Holanda, Schauspiel Köln de Alemania, El Desván Producciones de España, La Comedia Nacional de Uruguay y El Galpón. Ha escrito más de 50 obras —45 de ellas montadas y 25 publicadas—, ha dirigido 40 montajes y actuado en cerca de 30. Para la UNAM, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón dirigió Edipo, nadie es ateo (2018) y La ceguera no es un trampolín (2019). En 2022 recibió el Premio Ariel por el guion del largometraje Una película de policías.

El estreno de El mar es un pixel se realizará, en el marco del Festival CulturaUNAM, el 9 de octubre en #JuevesPuma, por lo que, como cada jueves, los boletos tendrán un costo de 30 pesos. Posteriormente, los boletos podrán adquirirse en línea o en la taquilla del Teatro Juan Ruiz de Alarcón por $150 pesos con descuentos del 50% para estudiantes, maestros, exalumnos de la UNAM e INAPAM. Las funciones serán los jueves y viernes a las 8 pm, sábados a las 7pm y domingos a las 6pm (suspende el 12 de octubre y los días 1 y 2 de noviembre). La temporada concluirá el 30 de noviembre de 2025. Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM.

Memoria, identidad y resistencias: continúan las funciones del 32 FITU

Redacción Re-Evolución — Fri, 12 Sep 2025 06:00:00 +0000

Continúa el 32° Festival Internacional de Teatro Universitario (FITU) en su segunda semana tras un inicio vibrante que ha reunido a estudiantes, creadorxs escénicxs y público en el Centro Cultural Universitario con funciones agotadas y un ambiente festivo. En esta edición, que se suma al Año Iberoamericano de las Artes Escénicas, las obras en exhibición provenientes de países iberoamericanos abordan temas como la memoria, la identidad, la migración, el duelo, las resistencias sociales y los lenguajes contemporáneos.

De Chile, la compañía Implicancia Teatro presenta Extinción; de Argentina, La memoria futura, una colaboración de Abuelas de Plaza de Mayo y el Goethe Institut; de España, Santi Senso trae Liberad a los pájaros y la compañía Grumelot, Amor por ver amar (o recuperar lo perdido); de Portugal se presenta Pedro Vilela con dos piezas: Informe Figueiredo y Fissura. Además, de México, como parte del homenaje a la creadora y gestora cultural Mariana Gándara, se ofrecerá una función de Ovillo, última obra que dirigió.

En el Auditorio del MUAC el martes 9 y miércoles 10 de septiembre a las 7pm la compañía chilena Implicancia Teatro presenta Extinción, segunda parte de la Trilogía de la Permanencia. En esta historia, un grupo de trabajadores por honorarios queda atrapado en un videoclub en la víspera del año 2000, donde el tiempo se repite como en un bucle. Entre secretos, absurdos y revelaciones, la realidad se distorsiona para cuestionar el sentido de la vida y la relación del ser humano con la muerte. Fundada en 2018 por egresados del Instituto Profesional Arcos bajo la dirección de Eduardo Fuenzalida, la compañía se ha consolidado como un colectivo experimental y multigeneracional que combina referencias de la cultura popular con nuevas metodologías de creación.

Desde Argentina llega La memoria futura_Las voces de las abuelas, una experiencia escénica producida por la asociación Abuelas de Plaza de Mayo, en colaboración con el Goethe-Institut. Esta pieza invita al público a caminar y escuchar los relatos de estas abuelas que grabaron testimonios dirigidos a sus nietos secuestrados durante el Terrorismo de Estado (1976-1983, Argentina) y que aún están desaparecidos. Basada en entrevistas del Archivo Biográfico Familiar de Abuelas, la pieza transforma memorias íntimas en un acto colectivo de resistencia, invitando a imaginar un futuro marcado por la verdad y la justicia. Su presentación en México adquiere un eco especial tras el reciente fallecimiento de Rosa Tarlovsky de Roisinblit a los 106 años, histórica vicepresidenta de Abuelas de Plaza de Mayo e incansable luchadora por los derechos humanos, cuya vida encarna el legado de búsqueda y memoria que inspira este montaje. La obra se presentará en la Explanada de la Espiga del Centro Cultural Universitario (CCU) del 10 al 13 de septiembre a las 5pm, con cupo limitado a 20 personas por función y registro previo en la página de Teatro UNAM.

En ese mismo espíritu de reflexión, el martes 9 de septiembre a las 7pm en la Biblioteca del Goethe-Institut Mexiko se realizará la charla Archivo, Teatro y Memoria, en la que la directora Luciana Mastromauro, la asistente de dirección y producción Marisa Salton —trabajadora del Archivo Biográfico Familiar de Abuelas de Plaza de Mayo— y el equipo de la obra compartirán sus experiencias y perspectivas en torno al proyecto. Además, al finalizar el recorrido del sábado 13 de septiembre, se llevará a cabo un conversatorio moderado por el dramaturgo y activista en derechos humanos Gerardo Salinas, junto a la productora artística Cecilia Kuska y parte del elenco.

España aporta dos propuestas de gran fuerza expresiva. Por un lado, Santi Senso y su compañía Actos Íntimos presentan Liberad a los pájaros, un elogio a la locura, un homenaje al Quijote y a la valentía de abrazar los propios deseos. Esta obra, que combina poesía, emocionalidad y una estética íntima, invita a celebrar la locura como un espacio de lucidez y libertad. Con más de dos décadas de trayectoria, Senso ha desarrollado un lenguaje propio que lo ha llevado a presentarse en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, explorando siempre el vínculo entre el espectador y el intérprete. La pieza podrá verse en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón el miércoles 10 de septiembre a las 8:30 pm y el jueves 11 a las 7pm, así como en el Centro Cultural de España en México el viernes 12 de septiembre a las 7pm.

Por otro lado, la compañía Grumelot presentará Amar por ver a mar (o recuperar lo perdido), coproducida con LA Escena International Festival of Hispanic Classical Theatre de Los Ángeles, en la cual, la actriz Carlota Gaviño y el músico José Pablo Polo, a modo de conferencia performativa inspirada en El perro del hortelano de Lope de Vega, indagan en cómo las historias ayudan a procesar el duelo y a restaurar lo dañado. Grumelot, reconocida compañía madrileña, destaca por su enfoque innovador sobre los clásicos y su labor pedagógica en torno a la investigación y formación teatral. La obra se presentará en el Salón de Danza el jueves 11 y viernes 12 de septiembre a las 7:30pm.

México se hace presente con Ovillo, dirigida por Mariana Gándara (1984-2025) y escrita por Sonia Gregorio. La obra aborda la migración desde la mirada de las mujeres que permanecen en sus comunidades, bordando ausencias y resistiendo con paciencia y fuerza. Inspirada en las Hormigas Bordadoras y en historias familiares, esta dramaturgia coral combina música, palabra y poesía como actos de memoria. La puesta en escena, coproducida por Teatro en Llamas, Hecho Realidad y la Coordinación Nacional de Teatro INBAL, rinde homenaje al trabajo y pasión de Gándara, a quien está dedicada esta edición del Festival. La función tendrá lugar en el Foro Experimental José Luis Ibáñez el viernes 12 de septiembre a las 6 pm.

Finalmente, Portugal presenta dos trabajos de Pedro Vilela, quien reflexiona sobre la memoria, la justicia y el desarraigo: en Informe Figueiredo, el artista revisa un documento histórico censurado por el Estado brasileño que revelaba crímenes contra pueblos indígenas. A través de una conferencia performática, cuestiona el poder y el acceso a los archivos, vinculando las atrocidades del pasado con luchas políticas actuales. Se presentará en el Auditorio del MUAC el sábado 13 de septiembre a las 7pm. Mientras que en Fissura, en colaboración con el dramaturgo Alexandre Dal Farra, Pedro Vilela encarna a un inmigrante que revive los acontecimientos que lo obligaron a huir de su país, reflexionando sobre el despojo, el exilio y la imposibilidad del regreso. Esta obra también podrá verse en el Auditorio del MUAC el domingo 14 de septiembre a las 5pm.

Ese sábado 14 de septiembre a las 7pm, el artista indígena del norte de Argentina, Tiziano Cruz, tendrá una última presentación de Wayqeycuna en el Museo Universitario del Chopo, tras las dos funciones ofrecidas en el Auditorio del MUAC pasado fin de semana con cupo lleno. En este espectáculo interdisciplinario, Tiziano entrelaza la memoria personal y comunitaria, las tradiciones de su tierra y realiza una crítica al mercado del arte, reflexionando sobre las jerarquías raciales.

Con esta segunda serie de Obras en Exhibición, todas con entrada gratuita y organizado por Teatro UNAM, el 32 FITU reafirma su papel como espacio de encuentro para artistas, estudiantes y públicos que buscan dialogar con lo escénico como una forma de memoria, resistencia y creación. Además de asistir a estas funciones, el público puede explorar la amplia programación del festival que incluye obras en competencia, talleres, conferencias y actividades especiales que se desarrollan tanto en el Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000) como en sedes alternas.

Los boletos para las presentaciones escénicas se entregan una hora antes de cada presentación; a excepción de La memoria futura, cuyo registró en línea comienza el 8 de septiembre. Para más información se puede consultar la página www.teatrounam.com.mx y las redes sociales de @TeatroUNAM y del @FestivalFITU.